Arte Dominicano

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El arte en República Dominicana encuentra sus antecedentes históricos en las pictografías que realizaban los taínos en líneas simples y con pigmentos vegetales sobre paredes rocosas. A raíz del encuentro del viejo continente con el nuevo mundo, las influencias artísticas de Europa en América donde originalmente se hicieron sentir en esta Ciudad Primada, siendo la primera muestra de esa expresión la arquitectura.

Posteriormente se introdujeron la orfebrería, la platería y finalmente la pintura y la escultura, predominando en estas dos últimas el tema sacro, debido a que era en los conventos donde se aprendían y practicaban las bellas artes.

 Después de producirse la independencia de la república, las artes plásticas continuaron afianzándose dentro de la identidad nacional, sobre todo, a través de los retratos de los próceres de la patria y del uso del paisaje. Luego continuaron con el uso de elementos propios del criollismo y del indigenismo, además de que aparecieron mezclados, casi de modo imperceptible, el lenguaje visual generado en las capitales mundiales del arte, como París y otras ciudades europeas.

Realismo, romanticismo, neoclasicismo académico e incluso ribetes simbolistas se fusionaron en la pintura de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX en artistas como Luis Desangles, Alejandro Piñeyro, Abelardo Rodríguez Urdaneta o Enrique García Godoy.

Los primeros maestros dominicanos de las artes plásticas se remontan a los años de la década de 1930. Cabe destacar que a lo largo de las últimas ocho décadas, la principal casa de estudios de donde proceden los más renombrados artistas plásticos del país ha sido la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Hacia finales del siglo XX y en la primera década transcurrida del siglo XXI en el género de la plástica se mezclan temas como la abstracción y figuración, las evocaciones de la historia del arte, de los sincretismos religiosos, de la cotidianidad, las alusiones al pasado personal o colectivo.  Así pues, la fotografía también expresa el devenir de los tiempos históricos y el mestizaje cultural verificado en el pueblo dominicano.

Para apreciar y halagar sus sentidos con las artes visuales dominicanas es necesario visitar los diversos espacios donde se despliegan estas expresiones de la cultura dominicana, como los museos, las bienales y exposiciones, además de las galerías de arte, donde se encuentran extraordinarias obras de diferentes géneros, creadas por los grandes maestros dominicanos.

En el renglón de la pintura, podrá encontrar obras de: Luis Desangles, Celeste Woss y Gil, Jaime Colson, Ada Balcácer, Alberto Bass, Cándido Bidó, Silvano Lora, Yoryi Morel, Ramón Oviedo, Darío Suro, Amaya Salazar, Guillo Pérez, y muchos otros.

En la ciudad de Santo Domingo se ha conformado un circuito de galerías de arte donde los interesados podrán visitar unas 10 galerías, conocer sobre los artistas y disfrutar de algunas exposiciones. Este circuito se lleva a cabo el tercer jueves en los meses de septiembre a febrero, en un horario de 7:00PM a 11:00PM y ha sido posible gracias a la iniciativa de la Asociación de Galerías de Arte de República Dominicana (AGA) y de una empresa dedicada al turismo cultural. Para obtener mayor información puede contactar con arawak.art@gmail.com.

Asimismo, el parque Independencia, en el corazón de la capital, ha sido convertido en varias ocasiones en una galería de arte al aire libre, con las exposiciones itinerantes “Museo del Louvre: seis siglos de pintura europea”; con las históricas “Vida y legado de Juan Pablo Duarte”, las de fotografías “Guerra de abril de 1965”, de gran valor histórico;  “La tierra vista desde el cielo” y “Proyecto Mujer”, en homenaje a la mujer dominicana.

El Gran Teatro del Cibao de Santiago también ha cedido sus verjas para exposiciones itinerantes, mientras que la ciudad de Salcedo, en la provincia Hermanas Mirabal, se engalana con grandes murales históricos para el disfrute de sus visitantes.

En la región del Caribe, República Dominicana es un gran centro del arte, manifestado en sus formas más diversas, y por este motivo celebra periódicamente importantes actividades para mostrarlo al mundo. Un ejemplo de ello fue la realización en el 2009 de la Feria Internacional de Arte (FIART Santo Domingo 2009), un trascendental evento cultural que reunió unas 35 galerías nacionales e internacionales y artistas invitados de gran trayectoria y reconocimiento mundial, en el Palacio de Bellas Artes.

Artesania

Se denomina artesanía tanto al trabajo como a las creaciones realizadas por los artesanos (una persona que realiza trabajos manuales). Es un tipo de arte en el que se trabaja fundamentalmente con las manos, moldeando diversos objetos con fines comerciales o meramente artísticos o creativos. Una de las características fundamentales de este trabajo es que se desarrolla sin la ayuda de máquinas o de procesos automatizados. Esto convierte a cada obra artesanal en un objeto único e incomparable, lo que le da un carácter sumamente especial.

Algunos ejemplos donde aparece el término son: “Cuando recorrimos el norte, compré varias artesanías típicas”, “Mi tía me regaló una artesanía aborigen para decorar mi nueva casa”, “La mayor parte de la población local vive de las artesanías”.

En oposición a las producciones industriales o en serie, una artesanía se define como un trabajo minucioso y detallista donde cada objeto es único y debe recibir una atención especial. Para llevar a cabo este trabajo los artesanos ponen en práctica diversas técnicas manuales aprendidas y desarrolladas a lo largo del tiempo.

Dentro del bagaje cultural de un pueblo y de su cultura tradicional las artesanías ocupan un lugar importante. Tal es así que los orígenes de este tipo de trabajo manual se remontan a épocas previas al surgimiento de la era industrial. Hace miles de años ya existían las artesanías y eran desarrolladas con diversos materiales. En cada lugar, teniendo en cuenta las posibilidades del entorno variaban el tipo de artesanías que se fabricaban: de acuerdo a la materia prima que cada espacio le ofreciera.

Es importante señalar que la artesanía puede tener un fin estético (por ejemplo, un cuadro decorativo), ritual (una máscara) o funcional (una vasija para poner agua). En este punto se diferencia rotundamente del trabajo industrial ya que en la creación de cada objeto se persigue la combinación del diseño y el arte.

Comercialización y competencia

Como ya lo hemos dicho, el trabajo artesanal exige mucha dedicación porque cada pieza se desarrolla de forma manual; por lo tanto no pueden realizarse una gran cantidad de objetos por vez. Esto dificulta mucho la comercialización de estos productos en grandes tiendas y cadenas comerciales y obliga a los artesanos a buscar otros medios de difusión y comercialización.

La comercialización de las artesanías suele realizarse de manera directa (del artesano al comprador) o a través de pequeños mercados o cooperativas.

Por otro lado, estos productos deben competir con los industriales que, muchas veces, presentan características similares, en un intento de imitación de las propiedades únicas de las artesanías. Y aquí aparece un problema latente para los artesanos: no sólo el nivel de producción de la industria es más alto en cantidad, sino que además es más económico.

En el mundo industrial la elaboración en serie permite bajos costes de producción lo que da como resultado precios finales más económicos. Al margen de que la materia prima utilizada por la industria suele ser de menor calidad, estos problemas se presentan como importantes trabas para todos aquellos que intentan vender artesanías y vivir de dicho negocio. Por todo esto, a veces, los artesanos deben recurrir a una mayor versatilidad; por ejemplo, a desarrollar diferentes tipos de productos para ofrecer una mayor variedad y conseguir con ello atraer a potenciales clientesen diferentes campos comerciales.

No obstante los problemas que pueda significar la competencia para el trabajo manual, es importante mencionar que los productos en sí no tienen ni comparación: las artesanías gozan de una cualidad que las vuelve únicas (gracias a haber sido desarrolladas con especial atención una a una) mientras que los productos industriales sólo son decenas de idénticos objetos que carecen de alma y que no han sido pensados en su individualidad como un objeto artístico.

La persistencia de la memoria; Salvador Dalí

Óleo sobre lienzo. 1931. Dimensiones: 24 x 33 cms. Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Es una obra perteneciente al Surrealismo, movimiento de vanguardia artística creado en 1924 tras el Manifiesto de André Breton, guia espiritual y dictador del mismo.

Un pequeño pero famoso cuadro de la época más surrealista de Dalí . El paisaje tiene influencias de los trabajos que realizó del mar en su juventud, hasta se puede reconocer el Cabo de Creus en la parte superior derecha; parece una playa al atardecer. En primer término y en posición central, destaca una extraña figura: una cabeza blanda con una enorme nariz, de larga y carnosa lengua que sale de ella, pero carece de boca. Su raro cuello se pierde en la oscuridad. Reposa dormida sobre la arena, ya que vemos cerrado su ojo, con unas enormes pestañas. Estamos delante de un paisaje onírico.

Tiene encima un blando reloj de bolsillo. A la izquierda, sobre lo que parece una mesa de madera rectangular, aunque incompleta, encontramos otros dos relojes: uno más pequeño, cerrado, sobre el que se apelotona una multitud de hormigas; el otro, enorme, blando y alabeado- con una mosca encima y marcando casi las siete horas- ,se escurre por el borde de la mesa. De ésta nace un árbol roto, con una sola rama sin hojas sobre la que hay un tercer reloj blando. Al fondo, iluminada fuertemente, vemos una cala recortada por acantilados rocosos. Una piedra redondeada proyecta su sombra sobre la arena de la playa, que está desierta. El mar se confunde casi con el cielo cubierto de vaporosas nubes blancas.

El dibujo tiene una enorme importancia en el cuadro. Es de líneas puras, muy académico y relamido. Los objetos están representados con exactitud y detallismo, pero sus dimensiones no son reales y están deformados.

La luz juega un gran papel. El cuadro está dividido en dos partes no simétricas: una tenebrista, en primer término, con un foco de luz a la derecha que ilumina suavemente los objetos, que proyectan sus sombras y se recortan en el espacio; y la otra, fuertemente iluminada, al fondo, con una luz muy blanca, irreal.

El color es rico y variado. Predominan los tonos frios (azules, grises, blancos), que contrastan con los cálidos (ocres, marrones y amarillos).

La composición está muy estudiada. Domina la línea horizontal del mar al fondo, remarcada por la luz, que divide el cuadro en dos mitades desiguales pero armoniosas. Se complementa con la horizontal de la rama seca del árbol, que con su tronco marca a la izquierda una vertical que equilibra la composición. Como elementos dinámicos, el pintor utiliza las líneas diagonales (mesa, cabeza) y las curvas (relojes, cabeza). El color contribuye a lograr estos efectos, ya que los tonos cálidos nos acercan las formas, mientras que los frios las alejan. La perspectiva tradicional existe, pero el espacio parece extraño. El punto de vista del espectador es alto, aunque no en todos los objetos.

Inicialmente literario, el surrealismo, afecta a todas las artes y termina siendo una actitud vital, un estilo de vida que intenta transformar la sociedad burguesa. El Surrealismo es heredero del movimiento Dadá en el uso constante de la provocación (“épater le bourgeois”) y los materiales de desecho, así como en su deseo de liberar la imaginación del corsé de la razón. Inspirándose en Freud, los surrealistas creían que la única forma de hacerlo era tener acceso al subconsciente. Su temática es la de los sueños. El arte será para ellos un método de conocimiento de la realidad interior, no visible. En cuanto a las técnicas, usan el automatismo (que consiste en dibujar o escribir sin lógica, moviendo la mano incontroladamente), la desorientación reflexiva (por la que asocian objetos extraños, surgidos del subconsciente, en espacios lógicos y realistas, queriendo hacer buena la frase de Lautreamont “Bello es el encuentro fortuito sobre una mesa de operaciones, de una máquina de coser y de un paraguas”), el frotagge o dibujo obtenido mediante frotamiento, y otras técnicas dadás como el fotomontaje, el objeto encontrado,etc.

Dentro del Surrealismo hay dos modalidades: la objetiva o figurativa, que utiliza una técnica casi fotográfica para imitar la realidad, y a la cual pertenecen Dalí, Magritte, Ernst, Delvaux.. y la antiobjetiva o de formas más o menos abstractizantes, de un lenguaje casi poético. En ella incluimos a Miró, Tanguy, Matta...

Autor: Salvador Dalí (1904-1989) el más conocido de los pintores del Surrealismo en España. Nacido en Figueras, estudia en Madrid, en cuya Residencia de Estudiantes se hace amigo de García Lorca y de Buñuel, con quién realiza el film "Un perro andaluz". En 1929 conoce a Gala, su mujer y musa, quién le introduce en el círculo parisino de los surrealistas. Pinta entonces sus obras más importantes: "El gran masturbador", "El enigma del deseo" y "La persistencia de la memoria", en las que desarrolla sus obsesiones (el sexo, lo blando, lo putrefacto de la materia) y aplica el método paranoíco-crítico de su invención : cultivar el engaño pero manteniendo la consciencia de que el control de la razón ha sido suspendido deliberadamente. Con un dibujo academicista y de gran exactitud, da realidad a sus delirios, a sus sueños. Su actitud megalómana, provocadora, su impudor y su desmedido amor al dinero escandalizan a los propios surrealistas, que lo expulsaron en 1933 del grupo. Además, en la Guerra Civil española muestra simpatías por el bando franquista. Inspirándose en ella pinta "Construcción blanda con judías hervidas" y "Canibalismo de otoño". Instalado en Estados Unidos desde los años 40, evoluciona hacia el conservadurismo, explotando cínicamente la religiosidad sentimental y escandalizando con sus paradójicas y extravagantes actuaciones, lo que le resulta muy rentable. Entre sus obras destacamos "La Madonna de Port Lligat", "El Cristo de San Juan de la Cruz", y " Las tentaciones de San Antonio".

Los 6 misterios de la última cena de Leonardo da Vinci.

La "Última cena" es el título de una de las obras pictóricas más representativa del maestro Leonardo da Vinci. Fue pintada en 1497 y se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán (Italia). Tras este cuadro existen ciertos mensajes ocultos sobre la religión, que no podían ser mostrados en su época para que da Vinci no fuera acusado de hereje. Pero ahora, estos misterios religiosos pueden ser desvelados. Veamos:

1º- Tadeo, es representado a la derecha, el penúltimo. Su facciones son similares a las de el propio Leonardo.

No es por casualidad que se encuentre de espaldas a Jesus, de hecho esta posición fue pintada con el motivo claro, la desconfianza que tenía Leonardo da Vinci a la creencia del cristianismo. Se notaba escéptico  y en esa época hubiera sido tildado de hereje, por lo que se cuidó muy mucho de no parecerlo. Pero aun hay más.

2º- Simón Zelote. El apóstol situado a la derecha del todo. Su cara es una copia del busto de Platón, y este, era un personaje mal visto por la iglesia. De hecho, como pudimos leer o ver la película del Nombre de la Rosa de Umberto Eco ambientada en el S XIV.  Vemos que toda la trama la genera un libro de Aristóteles (discípulo de Platón) que haría temblar los cimientos de la iglesia católica.

3º- El gemelo de Jesús, Tomas.  Son muchos los que creen que el apóstol Tomas era realmente el hermano gemelo de Jesús, incluso Leonardo también lo creía. Y lo dejó plasmado en el cuadro.

Tomas significa "gemelo" en arameo, y Dídimo tiene el mismo significado en griego. Por supuesto, si realmente Tomas fuera el gemelo de Jesús  se podía dudar de la resurrección de Jesús. Un día clave en el calendario cristiano. 

Comprobar la similitud.

¿Quién es realmente Jesús?

4º- Misterio de María Magdalena. Seguramente, muchos habremos visto "El código da Vinci", un libro que expone la presencia de María Magdalena como figura principal en la vida de Jesús. Algo negado por una sociedad aun machista y más hace 2.000 años. Pero no es negada únicamente por machismo. La iglesa entiende la diferencia entre el amor de un padre y el amor de una madre. Mientras que el amor de una madre es incondicional, el de un padre responde a resultados. Para la iglesia católica, el amor paterno era el motivo perfecto para controlar a los creyentes. Era más fácil dominarlos si se portaban "bien" que si sabían que eran amados siempre. Se trata pues de una estrategia de control hecha por la Iglesia. Leonardo lo sabía, y aunque no pudo representarla en el centro de la cena (porque sería impropio para esa época), pudo representarla lo más próximo a Jesús. 

Por supuesto, la vistió como otro apóstol, pero sus facciones se ven claramente femeninas.

5º- Ahora veamos el siguiente mensaje que intenta transmitir Leonardo da Vinci. 

Llama la atención que el único cuchillo que hay en la mesa se encuentra en las manos de Pedro. Sostiene el cuchillo de una manera extraña, casi antinatural. Resaltar la presencia del cuchillo en la mano de Pedro se debe a que el pintor trata de trasmitir un sentimiento muy humano que pudo tener Pedro: envidia hacia Jesús. Pedro se da cuenta de que de las figuras de Jesus y María se levantaría una nueva religión, y como co-fundador, se sentía ultrajado. De hecho, su hermano Andrés, se ve sorprendido por la actitud de Pedro y levanta las manos en señal de que él no tiene nada que ver.

6º- Después de ver los casos anteriores, parece que la falta de fé de Leonardo empieza a ser evidente, no pinta apóstoles divinos llenos de comprensión, sino personas con sentimientos mundanos... como cualquier persona. Otro ejemplo de esto, sería las aureolas. En aquella época, los personajes de los cuadros con figuras santas eran representados con una aureola para diferenciarlos de los no-santos. En cambio  Leonardo da Vinci no lo hizo... por supuesto, no fue un descuido.

Existen algunas peculiaridades más sobre el cuadro, indicios, misterios sin resolver de importancia menor, como: ¿por qué Judas es el único vestido con 3 colores? o ¿Por qué no aparece ningún cáliz? Posiblemente, con el tiempo este cuadro nos aportará más pistas sobre todo aquello que Leonardo nos quería decir sobre "LA ÚLTIMA CENA".

El nacimiento de Venus

Quién es Botticelli?

El verdadero nombre de este artista era Alessandro di Mariano Filipepi. A lo mismo que sus hermanos se los apodaba como Boticcelli, lo que significaba “pequeños barriles” en Italiano, después de  su hermano mayor, quien fue un exitoso hombre de negocios en la venta de barriles. Su apodo casi ciertamente aludió a su riqueza más que su estatura.

Sandro Botticelli fue el principal pintor italiano en Florencia en la segunda mitad del siglo 15. Su estilo era muy refinado y femenino. Sus principales patrones fueron la dinastía Medici para quien este artista realizó muchas obras como retablos, porta retratos, alegorías y banderas.

Porqué es tan famosa esta pintura?

Esta obra fue la primera pintura hecha en gran escala en el tiempo del renacimiento con un motivo exclusivamente secular y mitológico. Esta es considerada una de las pinturas mas famosas en la historia del arte. Celebra la idea fundamental de la apariencia de la belleza en la tierra. Aqui encontramos representados los tres elementos esenciales de la materia: aire, tierra y agua.

El nacimiento de Venus  retrata uno de los más pintorescos  mitos clásicos que nos transporta en un mundo de sueños y poesía. Antiguamente el único cuerpo desnudo femenino pintado por muchos artistas había sido EVA. Sus típicas escenas incluían la famosa serpiente que la tentaba o expulsaba del paraíso por desobedecer a Dios. Su desnudo se asociaba mas a un acto de vergüenza del pecado original.  En El nacimiento de Venus, por primera vez, se muestra lo opuesto. Venus se encuentra radiante y su imagen esta llena de vitalidad. Boticcelli  invita  a sus espectadores a considerar una armonía entre la mente y el cuerpo.

Les describo esta escena….

Aqui vemos una Diosa Venus transportada sobre las aguas en una concha gigantesca. Venus se encuentra en el centro, a su derecha una pareja formada por Céfiro y  su consorte Cloris.  A su izquierda se encuentra la Hora Primavera. Observamos como desembarca en la playa de una de las islas Chipre, Pafos o Citerea donde hay un naranjal mientras una lluvia de rosas caen a su alrededor y es empujada por el soplo de los dioses.
El nacimiento de esta Diosa representa el alma en el camino de la encarnación de los reinos espirituales.  Venus montando una concha representa el acto mismo de la encarnación y esperar ser cubierta por una túnica roja simboliza que obtendrá un cuerpo material. En pocas palabras, el nacimiento de Venus alegóricamente ilustra el misterio de nuestro nacimiento. El renacimiento a la vida por el Bautismo del cristiano.

Quiénes son cada personaje y qué simbolizan?

• VENUS : Venus es su nombre romano; los griegos la llamaban Aphrodita. Ella es la diosa del amor, belleza, risa y matrimonio. Venus trae belleza al mundo y por lo tanto los que aman la belleza persiguen valores que son elevados e incluso celestiales. Una de las mas importantes diosas de la antigüedad.
• CEFIRO:  también conocido como el hijo de Aurora ( el alba ) es el Viento del Oeste.
• CLORIS: Ella era la ninfa de la brisa, consorte de Céfiro. Su nombre tambien significapálido. Los romanos la apodaron Flora, pero tambien la han identificado con Aura, diosa de la brisa.
• PRIMAVERA: una de las diosas de las estaciones. La estación del renacer.

VENUS:

Quién era la modelo de Venus?

Simoneta Vespucci  fue una musa italiana del renacimiento, esposa de Marco Vespucci de Florencia, familiar de Américo Vespucio. Pintada por Botticelli en varias ocasiones, fue  la familia Vespucci que la dió a conocer al mundo. Muchos pintores en Florenica quedaron locos con ella y desearon usarla como modelo. Entre éstos, los hermanos Lorenzo y Giuliano, de la familia de los gobernantes Medici.

• En mitología, Venus-Afrodita nació de la espuma de mar. La teología romana presenta a Venus como el principio de rendimiento, esencial para la generación y el equilibrio de la vida. Ella puede dar la victoria militar, el éxito sexual, la buena fortuna y prosperidad.
• Venus se encuentra en la pose llamada contrapuesto ( contrapposto ) que es mucho mas elegante que si la modelo estuviera parada con ambos pies juntos y derechos en el suelo.
• La pose de la Venus de Botticelli es una reminiscencia de una Venus de la colección Medici. Una escultura de mármol de la antigüedad clásica  que Botticelli tuvo oportunidad de estudiar. En ambas obras , Venus oculta sus senos y la zona genital con sus brazos.

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• En El Nacimiento de Venus, ella no cubre mas de lo que cubriría un pequeño bikini. Sin embargo, el movimiento de su brazo le trae a la vida y permite que el artista ponga sus manos en una posición realista.

• De ojos sonadores y tímidos mirando hacia ningún lugar en particular.
• Su mente está en otro lado como si recordara el lugar lejano de donde proviene.
• Completamente desnuda porque acaba de nacer. Este es un nacimiento inusual porque es el nacimiento de una diosa. Según la leyenda Venus ya era una adulto cuando nació.
• Venus casi siempre es mostrada desnuda porque ella es un ser sobrenatural. Nada puede afectar ni lastimarla como lo haría el frío o alguna otra cosa a un ser humano.
• Boticelli quiso mostrarnos en la expresión soñadora de Venus que no basta con reconocer cuan hermosa era sino que también tenemos que entender que su belleza viene de otro mundo. Un mundo que no podemos conocer o entender, donde todo debe ser perfecto como lo es ella.

Qué significa la inmensa concha en la que descansa Venus?

Los caracoles han sido siempre considerandos como símbolos de la fertilidad femenina. El dorso de la cáscara se asemeja a un vientre de embarazada, y la parte inferior de la cáscara se asemeja a una vulva. La concha, como símbolo de Venus, significa el renacer de una persona, su resurrección; es decir,la “muerte” o superación del “ego”(egoísmo y egocentrismo) para dar paso al “auténtico yo” (sencillo y humilde).

Esta gran concha es conocida como La Concha del peregrino porque en la Edad Media, una  de las peregrinaciones cristianas más importantes era la que se realizó al el santuario del apóstol Santiago de Compostela, en España. A partir de aquí se desarrollaron una de las leyendas donde se sostiene que la ruta del  Camino de Santiago era una especie de encuentro con sus orígenes, imprescindible en el ser humano para su propia supervivencia. La ruta tenía ya un significado devoto y penitencial, en cierta manera un encuentro cotidiano con Tierra Sagrada.

Según la leyenda, el apóstol Santiago El Mayor (muerto en Jerusalén en el 44 DC) fue enterrado allí.  La concha es el símbolo  de la dirección del camino de Santiago a su paso por la ciudad de León. Este  peregrino también llevó  una concha  con él en su vestimenta. Por esta razón,se convirtió en costumbre que los peregrinos, que caminaban por varios días y horas, recogían a su paso las conchas de la orilla del mar para demostrar que no habían renunciado a lo largo del camino. Ahí es donde viene el nombre de concha de Santiago ( concha del peregrino).

Una versión alternativa de la leyenda sostiene que, si bien los restos del apóstol Santiago estaban siendo transportados a Galicia (España) de Jerusalén, el caballo de un caballero cayó al agua, y emergió cubierto en conchas.

CEFIRO y CLORIS:

A la izquierda del cuadro observamos los primeros dos personajes de esta obra. Cefiro es conocido como el Viento del Oeste. El es la suave brisa de la primavera que impulsa a Venus a la orilla. Aqui lo vemos entrelazado con la diosa Cloris a quien la había secuestrado. Ellos simbolizan la unión de la materia y del espiritu.

Cómo la secuestró a Cloris?

La ninfa Cloris fue secuestrada por Céfiro en el jardín de las Hesperides. Céfiro se enamoró de su victima y ella consintió convertirse en su esposa. De esta manera la ninfa subió su rango a diosa. Asi fué como esta nueva diosa sostenía el perpetuo dominio sobre las flores.

Qué significaban las rosas?

De acuerdo a la mitología antigua , la rosa fue creada al mismo tiempo que  el nacimiento de la diosa del amor. La rosa con su exquisita fragancia y belleza, es el símbolo del amor. Sus espinas nos recuerdan que  el amor puede ser doloroso.

Porqué esta pareja tiene diferentes colores de piel?

Primero les comento que esta no es una pintura cristiana, por lo tanto no existen ángeles. Esta pareja tienen alas porque viven en el cielo.  Boticcelli  quiso  diferenciar  dos tipos de vientos de diferente fortaleza. Por esta razón, los pintó como un hombre y una mujer. Tradicionalmente las figuras masculinas se pintaban con una piel mate más oscura como si hubieran sido bronceadas por el sol. Las mujeres se mostraban usualmente con una piel mas clara como si siempre se protegían del sol. Asi es como aparecen mas suaves, delicadas y frágiles.

Cómo definían su fortaleza?

Como ellos son conocidos como los Vientos, se encuentran soplando hacia Venus para que ella pueda llegar a la orilla. Los soplos de aire dibujados por Boticelli eran lineas blancas mas marcadas. Un soplo de aire más fuerte para Céfiro que para Cloris. El soplo de Céfiro alcanza a levantar el pelo de Venus y la túnica roja  que trae una de las Horas.

 HORA PRIMAVERA:

• Ella era una de las tres gracias, que eran las tradicionales compañeras de Venus. En su vestimenta asi como en la túnica que trae se encuentran dibujadas muchas flores primaverales porque  Venus nació en la primavera.
• Esta Hora se encuentra en las puntas de sus dedos de los pies, para no perderse la llegada de Venus. Con su brazo levantado y  lista para poner la capa sobre sus hombros.
• Su traje es blanco y está bordado de acianos**.  Un cinturón de rosas ( la flor de Venus ) rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de  mirto *** ( la planta de Venus ). Entre sus pies florece una anémona azul **** que refuerza la idea de la llegada de la primavera.

Para terminar, observemos las olas del mar…..

En esta pintura no podemos esperar que  la naturaleza sea el tema principal porque  Boticelli no necesitaba hacer una fiel replica del mar. Aprovechando la necesidad de imitar unas olas reales, fue creando un patrón de V formas. Todas ellas muy  estilizadas que a medida que se alejaban en la distancia, se reducían en tamaño y al acercarse a los pies de la concha cambiaban su forma.

Una mirada general del cuadro nos muestra….

Toda la pintura esta bañada por un resplandor dorado que muestra un mundo transformado por la belleza de Venus. Todo el cuadro fue pintado usando colores claros y suaves.  La piel de Venus es muy parecida al color de las perlas. Aqui Venus aparece como una estatua hecha de puro mármol mas que de carne.

La parte derecha del cuadro es mas oscura pero todo sugiere que la presencia de Venus hará que esa sombras desaparezcan.

Vocabulario:

púdica: En latín significa casta, virtuosa y modesta

acianos: El aciano o azulejo (Centaurea cyanus) es una planta hernacea anual o bienal de la familia de las asteraceas.

mirto: Flores axilares, blancas, fragantes y muy olorosas .Se cultiva desde la antigüedad por sus flores y sus hojas aromáticas y se la consideraba el símbolo del amor y la belleza.

anémonas: Son animales sésiles que se fijan al substrato marino, ya sea la arena del fondo.

Grandes Obras: El David

El David, de Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), y una de las obras más famosas de la historia del arte, presenta pequeñas fracturas en la parte inferior de sus piernas. La causa es su propia inclinación que podrían poner en peligro la integridad de la propia escultura, obra clave del Renacimiento italiano. Está situada en la Galería de la Academia de Florencia, y fue hecha entre 1501 y 1504.

El estado de la escultura ha sido revelado en un estudio realizado conjuntamente por el Consejo Nacional Investigador de Italia (CNR, en sus siglas italianas) y la Universidad de Florencia, publicado por la revista y Journal Cultural Heritage que ha sido recogido por los medios italianos. Los responsables de este análisis señalan que la inclinación de la obra es de 5 grados y que esa es la causa de que se esté quebrando el mármol de sus tobillos.

No obstante, el estudio señala que la escultura, dado "su inestimable valor", ha sido sometida a frecuentes análisis a lo largo de los años y que ya a mitad del siglo XIX fueron notificadas dichas fisuras. A pesar de que estas minúsculas grietas están presentes en la parte superior de ambas piernas y en el torso, solo son perceptibles a simple vista en el tobillo izquierdo y en el lateral derecho del tronco.

Uno de los investigadores, Giacomo Corti, explicó, en declaraciones recogidas por La Repubblica, que dicha inclinación estaría causada por la escasa uniformidad del podio sobre el que se ubicó a la escultura entre 1504 y 1873, periodo en el que permaneció al aire libre frente al Palazzo Vecchio de Florencia. En los últimos años ha sido objeto de múltiples limpiezas y análisis, además de objeto de disputa, por su propiedad, entre el ayuntamiento de Florencia y el Estado italiano.

La escultura de David retrata al héroe bíblico en el momento en que se prepara a enfrentarse a Goliat y fue realizada en mármol blanco con 4,10 metros de altura por Miguel Ángel, por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia.

El David, lo hace Miguel Angel cuando vuelve a Florencia, entre 1501 y 1504. Él mismo lo cuenta en su diario: “Cuando volví, me encontré con que era famoso. El consejo de la ciudad me pidió que sacara un David colosal de un bloque de mármol, ¡dañado!, de casi seis metros”. El artista relata cómo se encerró durante tres años a trabajar en la obra, así como su pelea para que la estatua fuera colocada justo ante el Palazzo Vecchio, “como un símbolo de nuestra república”. Le hicieron caso, aunque se necesitaran 40 hombres y cinco días de trabajo para moverlo hasta allí. Desde 1910, sin embargo, el David que se alza en la plaza de la Señoría solo es una copia. El original se halla en la Galería de la Academia de Florencia y, sobra decirlo, es una de las esculturas más famosas del mundo. Dicen los historiadores que también fue un mensaje de Miguel Angel a los ciudadanos de Florencia, para que cada uno de ellos fuera consciente de su responsabilidad y su importancia.

Juan Luis Guerra

Juan Luis Guerra Seijas (Santo Domingo, 7 de junio de 1957), es un compositor, cantautor y productor musical dominicano. Ha publicado 14 discos (10 de ellos, de estudio) con los que ha logrado superar los 20 millones de discos a nivel mundial.

Juan Luis Guerra encarna el fenómeno de masas de mayor alcance social en laRepública Dominicana de finales del siglo XX, con un merengue que destruye estereotipos y crea una cultura musical nueva.

Biografía

Juan Luis Guerra Seijas es hijo del matrimonio conformado por el ya fallecido jugador de baloncesto Gilberto Guerra y Olga Seijas, nació y creció en Santo Domingo.

En sus años infantiles, Guerra solía animar las veladas escolares como cantante, con canciones sentimentales.

Al concluir el bachillerato, cursa durante un año Filosofía y Literatura en laUniversidad Autónoma de Santo Domingo (UASD), luego decide que la música es su vocación y se cambia al Conservatorio Nacional de Música.

Guerra era un gran admirador en ese momento de los Beatles.

Casa de Teatro se convirtió en el primer espacio donde Juan Luis Guerra se presentó como cantautor.

Al concluir sus estudios en el Conservatorio de Santo Domingo, Guerra decide estudiar composición y arreglos en el Berklee College of Music en Boston (Estados Unidos).

A este viaje va con muchas expectativas y con una carta que, a petición de una amiga, debía entregar a una estudiante de diseño llamada Nora Vega, quien se convirtió después en su esposa e inspiración para sus temas. La pareja tiene dos hijos.

Actualmente, Guerra es considerado uno de los compositores más famosos y relevantes de la música popular Latinoamericana.

Inicio en el mundo de la música

Después de volver a su país, trabaja haciendo música para pautas publicitarias destinadas a la televisión dominicana (jingles). Durante esta labor, entra en contacto con los cantantes Maridalia Hernández, Mariela Mercado y Roger Zayas-Bazánquienes quienes le acompañaban regularmente en las grabaciones.

Así forma su grupo Juan Luis Guerra y 4.40 y graba su primer álbum, Soplando (1984). Este álbum según el propio Juan Luis es una fusión de merengue tradicional con jazz unido a una vocalización al estilo del grupo vocal estadounidense Manhattan Transfer. Era algo muy suave y con gran influencia de jazz.

Warner Music lo relanzó en 1991 bajo el título El Original 4.40. Hoy en día es considerado un álbum de colección.

El origen del nombre del grupo radica en la forma en que los latinoamericanos pronuncian la cifra 440 (cuatrocientos cuarenta), que es el número de hercios de la frecuencia de la nota. Esta nota es usada por los músicos como referencia para afinar sus instrumentos.

Creación de sus discos

En 1985, tras una actuación, el empresario discográfico dominicano Bienvenido Rodríguez hace firmar a Juan Luis Guerra su primer contrato para su disquera Karen Records.

Esta situación también representa un giro radical en su estilo musical, orientándose al merengue en su versión comercial. En esta nueva etapa graba los álbumes, Mudanza y acarreo (1985) y Mientras más lo pienso… tú (1987). Como consecuencia de su labor, Guerra y sus acompañantes comienzan a obtener reconocimiento.

En 1988, se estrena como compositor para otros artistas como su compatriota Tati Salas para quien compuso el tema De tu bocacon el cual participó en el ya desparecido Festival de la OTI quedando entre los 3 primeros lugares.

También destacan las composiciones realizadas para los artistas mexicanos Emmanuel (No he podido verte, grabada en 1990) y Luis Miguel (Hasta que me olvides de 1993 y Te necesito de 2003).

También compuso el éxito de Gilberto Santa Rosa Te Propongo de 1994.

En 1989 durante la grabación de su álbum Ojalá que llueva café, los constantes cambios en los vocalistas de la agrupación lo llevan a convertirse en la principal figura de su grupo.

Este álbum representa el inicio de la consagración internacional de Guerra, pues obtuvo ventas tales que se colocó en el primer puesto en muchos países de América Latina, siendo los temas más promocionados la canción que da título al disco, Visa para un sueño y lacanción venezolana Woman del Callao dada a conocer previamente por el grupo Un Solo Pueblo.

En 1990, en medio de muchas expectativas, Guerra presentó su siguiente álbum, Bachata Rosa (su primer álbum editado en CD) y el más exitoso de su carrera desde el punto de vista comercial, vendiendo hasta ese entonces unas 5 millones de copias y valiéndole alcanzar en ese momento la cumbre de su popularidad.

Su éxito le hizo llenar estadios y coliseos a capacidad en diferentes escenarios de Latinoamérica y Europa.

Gracias a este disco, Juan Luis Guerra obtiene su primer premio Grammy, lo cual le vale ser uno de los presentadores de la emisión de ese año, junto a la cantante canadiense Celine Dion y la actriz estadounidense Whoopi Goldberg.

En este álbum, Guerra da a conocer el ritmo popular de la bachata, hasta entonces limitado al territorio dominicano. La mayoría de las canciones de ese disco son hoy clásicos de la música latina: Burbujas de Amor, Estrellitas y duendes y La Bilirrubina entre otros, le dieron la vuelta al mundo.

En 1991 en convenio con la disquera transnacional Polygram Records (hoy llamada Universal Music) incursiona brevemente en el mercado brasileño con el álbum Romance Rosa que contiene 4 temas de su CD anterior versionados al idioma portugués por el letrista brasileño Aloysio Reis y temas en español de su discos anteriores con Karen Records.

Al mismo tiempo, vuelve a componer para otro artista: el mexicano Emmanuel para quien escribe el tema No he podido verte y orquesta la canción tradicional dominicana Jarro pichao, ambas aparecidas en su álbum Vida (1991).

  

Canción controvertida

Guerra llegó a ser una figura controvertida en la República Dominicana después de sacar el siguiente álbum, Areíto (1992).

Con el tema El costo de la vida se manifiesta sobre las pobres condiciones de vida de muchos dominicanos y habitantes de América Latina.

Algunos de sus compatriotas sintieron que él no era la persona más apropiada para opinar, alegando que Guerra nunca padeció lapobreza.

En dicho álbum, Guerra, además de temas contestatarios, como Si de aquí saliera petróleo (con la participación del panameño Rubén Blades) experimenta con músicos de la Orquesta Filarmónica de Nueva York para producir el sentimental tema Cuando te besoen dos versiones, además de ser respaldado por la agrupación American Boy Choir (Niños Cantores Estadounidenses) en el temaNaboria Daca Mayamimacaná, único escrito en el lenguaje de la desaparecida etnia taína.

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Década de los ’90

Algunos opinan que a partir de allí, comenzó la nostalgización de la música de Guerra ya que los temas alegres que antes le caracterizaban, no estaban presentes en su nuevos discos con la frecuencia de antes.

Pero esto no impidió que Guerra continuara su agitada rutina de conciertos.

Apoyado en las ventas de unas 2 millones de copias, la gira Areito en 1993 mantuvo su popularidad en Latinoamérica y lo consolidó en Europa realizando un inmensa gira por toda España y presentándose en plazas como Portugal y Holanda donde llenó a capacidad el popular Ahoy.

Guerra mencionó que para ese entonces solía tomar pastillas para dormir y tenía un vacío de paz que no lo llenaban todos los lauros que había recibido. Las continuas giras, menciona él, a veces no le daban tiempo para saber en que país estaba.

Antes de la salida de Areito, el músico dominicano Manuel Tejada se propuso hacerle un homenaje a Juan Luis Guerra recopilando 15 de sus conocidos éxitos en ese tiempo, y grabándolos con integrantes de la Orquesta Filármónica de Santo Domingo y coristas y músicos que habían trabajado previamente con Guerra.

Este álbum, salíó a la venta en mayo de 1992 bajo el título de La Música de Juan Luis Guerra.

Su siguiente álbum Fogaraté (1994), tuvo como punta de lanza el tema La cosquillita rescatando el merengue rápido folclórico conocido como perico ripiao, al lado del acordeonista Francisco Ulloa y su conjunto. Además fusionó el merengue con el soukusde Sudáfrica (Fogaraté, El beso de la ciguatera), compartiendo en el álbum con el mejor guitarrista del Congo, Diblo Dibala.

Este disco, presentó el primer de tema de Guerra cantado completamente en inglés, titulado July 19th. Este disco tuvo una respuesta comercial limitada, buena para la mayoría de los artistas pero no estuvo regida por el alto estándar establecido por Guerra en sus 3 previos álbumes.

Varios factores incidieron en esto, la tendencia innovadora de Guerra, nunca atado a recetas comerciales, la baja promocional de su disquera y el creciente deseo de Juan Luis de tomarse un largo descanso.

Durante la promoción del álbum, Guerra sólo hizo 2 conciertos (en República Dominicana y Puerto Rico en 1995).

Con anterioridad, participó como invitado en el Festival de San Remo, en Italia.

En 1995 Guerra se retira temporalmente de los escenarios en junio funda una emisora de radio llamada Viva FM y un canal de televisión, Mango TV, mediante los cuales se proponía difundir los mejores talentos musicales de su país.

Mango Televisión, contaba con los mejores presentadores y talentos locales del momento, entre ellos: José Guillermo CortinesMemo y Jenny Cabrera, quienes presentaban el programa de televisión Sin la Muela en Vivo , Issac Savignon, Tita Hasbún,Angel P. Puello, presentador de los programas de televisión Cybernews , afiliado a Discovery Channel y CNN y el programa de televisión click .

Otros presentadores eran: Milton Cordero ; Ivette Marichal, Nereyda Castillo, Evelyn Díaz, Katy Gutierrez, entre otros. Coincidiendo con la adhesión de Guerra a la religión protestante, el canal televisivo fue rentado en 2003 a una red protestante estadounidense dándosele a su programación un giro religioso y llevando esta operación a destronar el canal de sus ratings.

En el 1995, sale a la venta la compilación Grandes Éxitos de Juan Luis Guerra y 4.40 obteniendo gran respuesta en ventas. Después de 4 años de silencio discográfico y saliendo de lo que muchos pensaban era un retiro definitivo, Guerra presenta el disco Ni es lo Mismo ni es Igual (1998) con el cual obtuvo en el año 2000 tres premios en la primera emisión de Latin Grammy Awards (Premios Grammy Latinos).

Con éste álbum Juan Luis colocó consecutivamente los temas Mi PC y Palomita Blanca en el lugar #1 del conocido Hot Latin Tracks de la revista Billboard.
No obstante fue El Niágara en bicicleta el tema más popular de ése álbum.

En los próximos años Guerra se limita a hacer lo que llama mini-giras, esporádicos conciertos en diversos países reintegrándose gradualmente a los escenarios pero siendo claro en que nunca volverá a someterse al intenso calendario que quizás precipitó su salida del mundo artístico en el pico de su popularidad.

Años Recientes

En el 2001, sale a la venta la compilación Colección romántica, lo mejor de las baladas y Bachatas de Juan Luis incluyendo 4 versiones de sus propios temas, destacándose Quisiera (grabada originalmente en ritmo de salsa) en versión Soft-Rock y la BaladaTú (originalmente en merengue) que estuvo sonando en la radio.

En agosto de 2004, luego de 6 años de no producir un álbum de estudio, sale a la luz Para Ti.

Este disco es el primero que produce con temas de corte religioso.

Esta producción, cuyas ventas rondan el medio millón de copias, ha recibido varios premios Billboard y posteriormente obtuvo elGrammy Latino en las categorías Mejor Álbum Cristiano y Mejor Canción Tropical por el éxito Las avispas.

También recibió el Premio Billboard Espíritu de la esperanza por la labor filantrópica al frente de la fundación que lleva su nombre.

Tras la salida del disco Guerra organizó su gira de conciertos más extensa desde el Tour Areito en 1993, a esta le llamó Tour 20 Años y celebró durante el 2004 y parte del 2005 los 20 años de creación del grupo, visitando: Aruba, Curazao, Puerto Rico,Venezuela, Colombia, Panamá, Estados Unidos, España, Holanda, Dinamarca e Italia en lo que fueron 23 exitosos conciertos.

Este año del 2008, Juan Luis Guerra se convirtió de nuevo en el profeta en su tierra al conquistar al menos cinco estatuillas de la 24ta entrega anual de los Premios Casandra y además fue honrado con un tributo musical por el astro colombiano Juanes, el puertorriqueño Luis Fonsi y otros artistas.

Guerra ganó el máximo galardón de la premiación, denominado El Soberano y las categorías compositor del año 2007, artista destacado en el extranjero, álbum, vídeo y canción del año, los últimos tres últimos por La llave de mi corazón.